lunes, 31 de mayo de 2021

Crònica presentació "Sopa de menta amb picarols" d'Anna Fité amb il·lustracions de Laia Berloso

El dissabte 17 d'abril vaig assistir a la presentació de la novel·la juvenil Sopa de menta amb picarols escrita per la meva amiga i sòcia de tallers Anna Fité, i il·lustrada per la Laia Berloso a qui vaig entrevistar aquí. També les acompanyava l'editora de La Galera, Pema Maymó.

L'acte va aglutinar força gent malgrat les restriccions d'aforament de la Covid, motiu pel qual va tenir lloc en un espai cedit de l'Acadèmia catòlica de Sabadell.
Escriptora i il·lustradora en la signatura de llibres


Sinopsi: A mitjan segle XIV es declara un brot de pesta a la ciutat de Girona i es decreta una quarantena per als veïns. Davant la impassibilitat dels governants de la ciutat, és la madona Francesca qui agafa el comandament de la lluita contra la pandèmia i improvisa un hospital de campanya, per atendre els malalts.

Buscant un remei desesperat, Francesca surt de nit acompanyada de Tarlà, a buscar la Majoma, que té bona fama com a remeiera. Tarlà i Majoma, enamorats l'un de l'altre, fan front comú per guarir els malalts; utilitzen el millor antídot, l'amor.
Sopa de menta amb picarols 
© Anna Fité. Il·lustracions de Laia Berloso


La presentació i debat a càrrec del periodista Marc Sabater de Petit Sabadell va servir per conèixer en directe a les tres agents implicades així com el procès de coordinació del propi projecte. 

Però abans d'explicar el paper de cadascuna, vull posar en valor perquè aquest llibre és, en certa manera, visionari doncs és inevitable no comparar l'epidèmia del segle XIV amb l'actual pandèmia (on les autoritats sanitàries no han sabut respondre i la gent s'ha hagut d'organitzar a través de la cultura i l'alegria) No us sona familiar? 

L'escriptora: Anna Fité, en paraules de la seva editora, 
és garantia de qualitat degut a la seva trajectòria a La Galera; aquest fet, unit a que fa 2 anys fou el 60è aniversari de l'editorial caracteritzada pel seu llegat de tradició i cultura popular de Catalunya, i pel foment de la lectura, fou motiu més que suficient per acceptar el projecte. 
Tot va començar fa 25 anys quan la seva "germana" Lluïsa li va parlar de la llegenda del Tarlà, un joglar que pengen al carrer Argenteria durant les festes de Girona que en el passaballava i amenitzava als vilatans tancats a casa pel brot de la pesta. Fou el seu perfil rebel, antisistema,... que la va seduïr així com la seva història.

En paraules de l'escriptora, el llibre és un cant a l'amor i està dedicat a totes aquelles persones que es caracteritzen per l'alegria de viure i que transmeten aquesta intensitat per la vida.

L'editora: Pema Maymó va reconèixer que va heretar el projecte començat i que el seu paper fou molt discret. De fet, va comparar la seva funció amb la d'una llevadora per a què neixi la criatura. Normalment l'escriptor ve amb una proposta que mai és tancada perquè l'editora l'ha de llegir i "treballar-la" bé per tal de millorar-la, sempre pensant en el lector. 
Entre les seves funcions també s'inclou l'elecció de l'il·lustrador/a així com considerar alguns aspectes tècnics tals com una coberta plastificada, il·lustracions interiors en B&N o a color, etc,.

La il·lustradora: A Laia Berloso li arriba la novel·la pràcticament acabada. Com a gironina li va cridar l'atenció que fos ambientada a Girona i estigués escrita per una escriptora de Sabadell. 
Li va suposar una gran responsabilitat potenciar, a través de la il·lustració, alguns passatges del text però va tenir la sort de comptar amb els millors historiadors com la Montse Aymerich qui va imprimir un gran rigor històric. El procès de documentació va ser fascinant i li va permetre traduïr la història amb colors vius propis de l'edat medieval atenent també al públic juvenil a qui anava dirigida la novel·la, per fer-la molt més atractiva.

Pel que fa a qüestions més tècniques com quines parts o escenes il·lustrar, ens va explicar que normalment li fan arribar una premaqueta amb espais assignats i opcions de canvi de pàgina però la feina es fa conjuntament amb l'editora. També es consensua amb el departament de disseny alguns detallets com, en aquest cas, les fulles de menta, les lletres capitulars, etc,.


Com pots comprovar a l'editorial li agrada posar en contacte escriptors amb il·lustradors per fer un treball en equip que sumi i, en aquest cas, dóno fe que ho han aconseguit.


"El que dónes, et torna" Anna Fité

D'esquerra a dreta: Anna de Turquoise, Anna Fité, Laia Berloso i servidora 




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jueves, 20 de mayo de 2021

Taller familiar "Fem una il·lustració de conte"

amb Anna Fité (escriptora) i Laia Codina (il·lustradora)

Vols aprendre trucs per il·lustrar un conte?


Vine el divendres 28 de maig a les 18h a Ravals Tallers, escola d'arts i oficis de Sabadell, i descobriràs què és un conte il·lustrat, què es pot explicar amb paraules i què amb dibuixos i escollirem entre tots i totes una escena representativa per fer la nostra il·lustració del conte.

T’hi apuntes?  Necessitem les teves bones idees!

Taller familiar* a partir de 8 anys
Gratuït amb tot el material inclòs
Durada aprox: 2h

* infant + acompanyant

Cal inscripció prèvia a: cucatraca@gmail.com


Aquest tastet forma part del nostre taller infantil-casal d'estiu FEM UN CONTE ACORDIÓ que farem a Espai Cultura Fundació 1859
Pots consultar tota informació en aquest enllaç.




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martes, 18 de mayo de 2021

Conferencia "Las imágenes toman la palabra" por Adolfo Serra

La tarde del 21 de octubre de 2019 asistí a la conferencia que dio el autor e ilustrador madrileño Adolfo Serra en l'Escola EINA de Barcelona.

La charla que tenía por título
Las imágenes toman la palabra, empezó con una presentación del autor a cargo de Mariona Cabassa, también ilustradora y docente, que lo definió como un representante de la ilustración más "transversal" en el sentido de dar espacio a la exploración y a la experimentación. 

Biografía


Adolfo Serra (Teruel, 1980) sintió la llamada del dibujo desde muy joven, aunque decidió estudiar Publicidad y Relaciones Públicas. Pasó un año sabático en Reino Unido para relacionarse, socializar, en definitiva, moverse más.

Trabajó en varias agencias de publicidad hasta que la ilustración se cruzó de nuevo en su camino en la Escuela de Arte 10 de Madrid donde empezó a experimentar con las técnicas. Comenta como algo positivo que el grupo fuera reducido, 17 personas, y personalizado.

Hizo sus primeras prácticas en el ámbito de la ilustración de prensa para el periódico El mundo. Para él, ilustrar es como vivir en un mundo. El ilustrador es como un director de cine que decide las escenas, el punto de vista,...

Caperucita Roja © Adolfo Serra
Caperucita Roja supuso su proyecto final para la Escuela de Arte 10. Recalcó la importancia de no agobiarse por el estilo, al fin y al cabo es una manera de contar. De hecho Caperucita Roja surgió de un error, de un cuaderno de experimentación con un pincel seco de témpera negra que acabó simulando un bosque de árboles.

El segundo ejercicio consistió en reinterpretar un cuento clásico como una oportunidad para hacer un book o una propuesta editorial.
Mapa conceptual de Caperucita Roja © Adolfo Serra

A partir de una simple mancha apareció el personaje del lobo que él asoció con el miedo, siempre presente en el libro, e ideó este clásico como un libro sin palabras. A pesar de no tener soporte textual, no quería subestimar a los niños porque sabía que eran capaces de ver, sentir y aprender a través del poder de las imágenes.

Storyboard de Caperucita Roja © Adolfo Serra
Trabajar en pequeño le ayudó a controlar la composición, y mirar el storyboard le sirvió para verificar si las composiciones se repetían.

Enseñó tres ilustraciones en la Feria de Bolonia y una editora le pidió que desarrollara el libro entero. Aunque le entró terror, defendió su proyecto a muerte porque tenía que ser como él intuía. En ilustración todo lo que usamos sirve para comunicar, todo comunica: el trazo, la línea, la mancha, el color,... Tenía muy claro que el personaje de Caperucita estaría resuelto en acuarela por su transparencia asociada a la fragilidad, mientras el lobo era el caos a través de la superposición de líneas.

Otros elementos que incorporó: su pasión por el cine y entender el bosque, tradicionalmente asociado a un espacio de transformación, como un lugar neutro donde los niños salen fortalecidos.
Ilustraciones interiores de Caperucita Roja © Adolfo Serra

Existen dos tipos de ilustradores, los todoterreno que son cambiantes en técnicas e ilustración (el estilo depende del carácter, de la personalidad), y los que tienen un universo propio donde todos los libros se parecen porque guardan esa similitud en estilo.

A Adolfo le gusta
probar, jugar, experimentarSi tú te diviertes y disfrutas, el lector lo nota, igual que si está hecho con miedo. Todas las experiencias vividas te hacen único y harán que afrontes los proyectos de acuerdo a tu bagaje experiencial.
¿Adivinas con qué tipo de ilustrador se identifica?


Metodología

Siente predilección por la tinta aunque varía la técnica en función del proyecto editorial. Se considera un contador de cosas con dibujos.

Ilustrar es añadir luz y dotarlo de significado
El ilustrador se enfrenta a un folio en blanco en el que tiene que tomar decisiones.
El talento debe ir acompañado de trabajo con foco en el que preguntarse: ¿de dónde vengo y dónde quiero ir?

Pensar el libro como un collar de perlas (imágenes) donde el hilo que las une es el texto.
El texto escrito presenta complejidad que debe ser traducida al lenguaje gráfico, igual que en un videoclip (canción/texto + imágenes en movimiento)


Una buena ilustración debería generar preguntas del tipo: ¿por qué lo he hecho así? ¿Qué me quiere contar? 
La ilustradora nonagenaria polaca Kvéta Pacovská lo define muy bien:

Como ilustradores Adolfo aboga por crear libros no cerrados con la moralina impuesta, que generen preguntas, con capacidad crítica.
Puso como ejemplo: ¿Cómo ilustrar la lluvia? y nos enseñó varias maneras:

Literal, narrativa
Poética (binomio que se contradice)
Mostrando los efectos (ondas, círculos concéntricos)
El resultado: charcos
Viéndola desde la ventana
Como personajes
Mitad literal y poética, jugando con el concepto

¿Se te ocurren más ideas? Pues sé exigente y busca otras vías de ilustrar la lluvia. Investiga.


Trayectoria

Una historia diferente © Adolfo Serra
Una historia diferente surgió de un taller de ilustración de Sarmede (Italia) y supuso su segundo álbum de autoría integral. Se le ocurrió relacionar un elemento a priori diferente, el cuerno de un rinoceronte, con otros elementos porque guarda más similitud de lo que pensamos. 
El libro ganó el premio White Ravens y la experiencia le dio alas para lanzarse a hacer cosas, sus propios proyectos, sus historias,...

Otra actividad que le gusta hacer son los talleres vinculados a los libros: le asombra la capacidad que tienen los niños de hacer cosas (hace incluso fotos)

El bosque dentro de mí © Adolfo Serra
El bosque dentro de mí
empezó como reto del Inktober y ganó el concurso internacional A la orilla del viento. Es también una historia sin palabras que se caracteriza por un encuentro y recorrido muy cinematográfico. 
Vuelve al concepto del bosque como un lugar de transformación donde debes perderte y buscar tu propia naturaleza.
Cuando pasó "la prueba de la madre", preguntando si se entendía, vio que había creado un libro abierto.


Es muy partidario de viajar como búsqueda que genere estímulos aunque también buscar otras metas como visitar museos, ir al cine, escuchar música,... en vez de "canibalizar" álbumes ilustrados.

Organización 

Según oyó decir al autor Neil Gaiman en una charla TED, el trabajo que tiene que salir (es decir, bajarlo al suelo) debe cumplir dos de tres requisitos como mínimo:
1. ser muy bueno
2. ser muy simpático/agradable
3. entregado a tiempo

Este último requisito es muy importante porque el tiempo es un límite que abarca tanto el tiempo para pensar como el tiempo para ejecutar.
Por esa razón cuando un editor quiere que le soluciones un problema, lo que menos espera de ti como ilustrador es que le cuentes tus crisis; quiere seguridad. No le transmitas nunca tus miedos. La seguridad se adquiere a medida que trabajas. Organízate y fluye con la incertidumbre.

Prioriza acorde a los presupuestos. Si el presupuesto es ajustado, no le dediques muchas horas.
Cuanto más ajustes los tiempos más productivo serás porque tomarás mejores decisiones y éstas serán más acertadas.

Presentarse a concursos y ceñirte a esas fechas, te obliga mentalmente a decidir aunque luego no te presentes.

Además, existe una tendencia actual en la que los editores buscan proyectos terminados o concursos. La libertad de trabajar en un proyecto personal es muy distinta a los encargos editoriales, además de ser más satisfactorio a nivel emocional.

Así que prueba técnicas. Verás que cada proyecto necesita un nuevo lenguaje. Además, si educas visualmente a través de los álbumes ilustrados conseguirás que los niños, cuando crezcan, estén más "despiertos".

Desarrolla la intuición. Verbaliza, comunica, defiende, ARGUMENTA tu trabajo. Evita el "me gusta" o "no me gusta".
Aunque el ejemplo esté muy manido es muy ilustrativo: en otras profesiones como la de lampista, lo vemos muy claro pero en la nuestra, al ser tan creativa, te afecta demasiado emocionalmente.

Si quieres moverte en el ámbito profesional, deberías crear un book: elije de 10 a 12 imágenes y pon nota a tus trabajos. Debes cerrarlo con muy buena nota (un 9) antes de empezar a moverlo. Muestra sólo lo que quieres hacer: lo que te emociona, lo que te gusta de verdad.
Debes saber qué/dónde lo enseñas.
Cuando vayas a moverlo: Investiga. Personaliza tu dossier y averigua el nombre de la persona a quien se lo envías. Sé estratégico/a.


Y por último: piensa en grande.
Dejó la agencia Pencil Ilustradores después de 5 años. Se fijó que en Europa el presupuesto es más limitado pero en cambio tiene más libertad para crear. Sin embargo, en EEUU y Reino Unido se necesita entrar a través de agente.

Lo bueno es que las redes sociales han permitido la democratización. Siempre existirá una mínima ganancia hasta conseguir un encargo: estuviste creando porque forma parte del proceso creativo, evolución. Así que su consejo es que seas proactivo/a, sube contenido a tus redes sociales y cuídalas.




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viernes, 14 de mayo de 2021

Fem un conte acordió

 2a edició del taller d'estiu a Espai Cultura Fundació 1859

Imagineu-vos quina pluja d'idees més potent podríem fer amb 12 petits creadors imaginant alhora!
T'hi apuntes?

Pots consultar més informació en aquest article que ens va dedicar el Diari de Sabadell a l'edició passada.




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lunes, 10 de mayo de 2021

Ilustrando a... Núria Albesa

Bienvenido/a a esta sección de entrevistas a autoras integrales de álbum ilustrado cuyo objetivo es conocer sus procesos de creación y visibilizar su obra.

Hoy te presento el trabajo de... Núria Albesa



1. Tus inicios. ¿Cuál es tu formación académica? ¿Cuándo te interesaste por la ilustración y en especial, por el álbum ilustrado?

Me gradué en Traducción e Interpretación y más tarde cursé dos másteres, el de Edición, y el de Corrección y Calidad Lingüística. Empecé un período de prácticas en La Vanguardia, en el suplemento Cultura/s, y allí me brindaron la oportunidad de aprender a corregir críticas literarias y reseñar libros. Recuerdo que cada día llegaban montones de obras a la redacción y parte de mi trabajo consistía en estar al día de todo lo que se publicaba, y lo más importante: aprender a priorizar y a saber escoger. Al cabo de dos años y medio, entré en La Galera. Era la primera vez en mi vida que pisaba una editorial y desconocía cómo hacer un libro. Fueron mis compañeros quienes me enseñaron a editar bien un texto, a valorar el mejor formato y papel, a encargar cubiertas y premaquetas, e incluso a maquetar libros. Estuve cuatro años y medio editando libros infantiles, hasta que un día sentí la necesidad de escribir una novelita para niños de seis o siete años. Cuando la terminé, abrí instintivamente una libreta y empecé a dar forma a ese protagonista. Recuerdo que fue un acto reflejo y en ese momento tampoco le di demasiada importancia. Al cabo de unos meses, enseñé el texto y esos esbozos a Sandra Rodericks, mi agente literaria, y me propuso un contrato de representación. Fue una locura, pero aquellos esbozos iniciales me han llevado hasta aquí.

El interés por el álbum ilustrado afloró cuando descubrí Perdido y encontrado, de Oliver Jeffers. Lo he leído cientos de veces y diría que lo que más me cautiva de esa historia son los silencios y todo lo que no se dice. Es un "álbum-iceberg" en toda regla.
© Núria Albesa

2. ¿Recuerdas tus cuentos favoritos de pequeña? ¿Crees que te han influido en tu trabajo?

De pequeña no fui una lectora ni ejemplar ni voraz. Pero sí que hubo un cuento divertidísimo que atesoro con muchísimo cariño: La vaca Teresina esquia a Vallfarina, de Xavier Frías Conde. Lo leímos en voz alta en el colegio, en segundo de primaria, y tuve tal ataque de risa mientras me tocaba leer que el profesor me echó de clase. Recuerdo que me encantaba esa historia y que me la llevaba conmigo a todas partes. Me pasó algo similar con Las brujas y Matilda, de Roald Dahl. En casa también teníamos un compendio de 365 cuentos, uno para cada día del año. Más que leerlos, me encantaba que mi padre los versionara y se inventara nuevas tramas y personajes.

Supongo que todo lo que nos pasa, y por supuesto lo que leemos, configura nuestro imaginario. En mi caso, diré que he leído muchísima literatura infantil siendo mayor y quizá esas influencias tardías hayan sido más premeditadas y escogidas.

3. ¿Cuáles son tus referentes actuales?

¡Uf! Intentando sintetizar más de lo que debería, diré que admiro el trabajo de autores internacionales como Oliver Jeffers, Marianne Dubuc, Emma Yarlett, Benji Davies, Izzy Burton, Rebecca Green, Michael Bond, Ingo Siegner, Ole Könnecke, Gianni Rodari, Roberto Piumini, Barbara Cantini, René Goscinny, Jean-Jaques Sempé, o A.F. Harrold. Me fascina esa gran capacidad que tienen para construir personajes memorables y sus respectivos universos, sean autores, ilustradores o ambas cosas. Y en cuanto a los autores nacionales, tengo predilección por la ternura de Rocío Bonilla, el humor de Marta Altés, la pillería de Mikel Valverde, la sensibilidad de Albert Asensio, la paleta cromática de David Sierra y la  luz de Laia Berloso.


4. ¿De dónde surgió la idea de tu primer libro?

Me gustan los personajes que albergan grandes contradicciones, que acuden a otros personajes diametralmente opuestos a ellos y con los que a priori no se relacionarían. Roc, el protagonista de mi primer libro, es un león que guarda un secreto: tiene miedo. Pero, ¿cómo va a tener miedo el rey de la sabana? Bueno… ¿y por qué no? Roc no es el típico rey, y, como cualquier otra persona, es vulnerable al rechazo, a las críticas, al no encajar y digamos que... a algo más irracional (y hasta aquí puedo contar). 
El secret del Roc (Cruïlla, 2021) © Núria Albesa

Su nombre no es una elección casual, tampoco. En catalán, Roc significa roca, y es un nombre contundente, con sonoridad. Pero si uno lee Roc al revés, se da cuenta de que esa roca se convierte en cor (corazón). Cuando pensé en Roc por primera vez, lo primero que visualicé fue su morro blanco y pecoso y sus cejas desiguales. Y ese león "tan poco león" debía tener una mejor amiga diminuta, ingeniosa y extremadamente sociable. Escribí un cuento con poco texto, el mínimo posible, que reflejara precisamente eso: que, a veces, las apariencias engañan.
Página interior de El secret del Roc (Cruïlla, 2021) © Núria Albesa

5. ¿Cómo fue tu primera experiencia como autora profesional? ¿Quién te dio la oportunidad?

El secret del Roc ha sido la primera experiencia que he tenido como autora y ha sido un regalo. Estoy muy agradecida a la editorial Cruïlla, y en especial a Dolors Ortiz, a Eduardo Nacarino y a Anna Pauner, por la enorme oportunidad que me han brindado y por todas sus aportaciones.
Página interior de El secret del Roc (Cruïlla, 2021) © Núria Albesa

6. Sobre el proceso de escritura, ¿cuánto tiempo te lleva escribir una historia? ¿Dónde buscas la inspiración o los posibles temas?

No suelo tardar demasiado en escribir mis historias, tanto si son álbumes como si son novelas más largas. Sin embargo, acostumbro a pasar bastante tiempo con mis personajes antes de ponerme a escribir; les doy la oportunidad de hablar dentro de mi cabeza, imagino diálogos con otros secundarios, analizo cómo se sentirían y reaccionarían ante ciertas situaciones. La construcción de personajes y conflictos es mi parte favorita. El proceso de creación de un álbum, hasta ahora, ha sido siempre el mismo. Primero escribo un texto muy sintético, y acto seguido empiezo a secuenciar la acción y a pensar en imágenes concretas. Nunca tomo ese primer texto como el definitivo. Espero a tener los esbozos terminados para sintetizarlo al máximo. Si ya vemos algo en la imagen, quizá no hace falta que esté escrito, ¿no?

7. Proceso y metodología, ¿cómo te organizas y trabajas? ¿Podrías describirme tu día a día?

Hace apenas nueve meses, dejé mi trabajo como editora de infantil en La Galera para centrarme, entre otras cosas, en proyectos personales. Fue un cambio muy drástico, pero necesitaba un parón y un poco de oxígeno. Actualmente, trabajo como freelance y combino distintas facetas: traduzco libros infantiles, ofrezco servicios de corrección y escribo e ilustro. Tener encargos tan distintos es algo que valoro muchísimo y ameniza mi día a día. 
© Núria Albesa

Empiezo a trabajar a las ocho y media y acabo a las cinco y media; eso sí, ¡la horita diaria en la montaña con nuestros perros es sagrada! Me organizo por entregas, fundamentalmente. Doy prioridad a las más urgentes y aprovecho ratitos libres para seguir con mis proyectos personales. Cuando empiezo a ilustrar un proyecto (sea el texto mío o no), primero boceto los personajes en una libreta horizontal lisa y siempre en lápiz. Cuando creo que tengo algo que vale la pena, lo dibujo en Procreate con muchísimos más detalles y le agrego color y texturas. Para el storyboard de un álbum, suelo hacer una primera versión sobre papel. No pierdo demasiado tiempo con las proporciones exactas, pero me va bien para soltar el trazo y para tener una visión panorámica y física de lo que tengo en mente.

8. ¿Cuál es tu objetivo como autora e ilustradora? ¿Qué mensaje quieres transmitir a través de tus obras?

Intento disfrutar tanto como puedo y dar lo mejor de mí en cada proyecto. Dibujar y escribir me aporta una tranquilidad que no tenía cuando trabajaba en la editorial, y es algo que ahora valoro enormemente.
La buena literatura infantil debería ser aquella que se atreva a tratar todos los temas, sin ingenuidades, y que la pueda leer cualquier persona, tenga la edad que tenga.
© Núria Albesa

9. ¿Estás trabajando en un nuevo libro? ¿Qué nos puedes contar sobre él?

Estoy trabajando en un nuevo álbum, aunque aún hay muchísimo trabajo por hacer. Puedo avanzar que el libro explora la amistad entre una ardilla despierta y un pingüino muy metódico. Además, tengo distintos proyectos en marcha para distintas franjas lectoras que saldrán a la luz en los próximos meses.

10. Un último consejo a las que, como tú, quieran dedicarse a esto:

Les diría que, decidan lo que decidan, hagan caso a esa intuición. Asumir riesgos puede asustar un poco, pero merece la pena intentarlo.
© Núria Albesa



Para obtener más información sobre Núria Albesa, puedes visitar su web
También puedes seguirla en su página de Facebook e Instagram




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domingo, 2 de mayo de 2021

Ilustrando a... Concha Pasamar

Bienvenido/a a esta sección de entrevistas a autoras integrales de álbum ilustrado cuyo objetivo es conocer sus procesos de creación y visibilizar su obra.

Hoy te presento el trabajo de... Concha Pasamar



1. Tus inicios. ¿Cuál es tu formación académica? ¿Cuándo te interesaste por la ilustración y en especial, por el álbum ilustrado?

En principio, no tiene que ver con esta dedicación: soy doctora en Lingüística Hispánica y licenciada en Historia. Hace unos ocho años volví a dibujar y pintar como una actividad manual que me ayudara a desconectar en un momento en que el estrés comenzaba a tener ciertos efectos físicos. Imagino que en el interés concreto por la ilustración tuvieron que ver dos factores: que el dibujo me gustaba más que la pintura, y que las palabras y la comunicación de ideas tenían ya un peso esencial en mi vida. Al principio, comencé por pintar o dibujar un día a la semana en el estudio de Lola Azparren, en Pamplona, y pronto a hacerlo en cuaderno, probando, anotando, solo por disfrute. Pero luego vi por casualidad algo sobre un máster de ilustración y me puse a buscar algún curso online, algo más factible en mi situación. Di con los de Marián Lario en 2014 y supusieron una inflexión decisiva.
Además, me he formado después en diferentes talleres y cursos sobre ilustración y LIJ, y también me inscribí en un par de talleres breves de escritura –aunque después de haber escrito mis dos álbumes-.

2. ¿Recuerdas tus cuentos favoritos de pequeña? ¿Crees que te han influido en tu trabajo?

No solo los recuerdo, sino que conservo los esenciales. De hecho, antes que los cuentos recuerdo los libros de arte, porque en mi generación (tengo 53 años) no había tanta abundancia de cuentos ilustrados. Sí, probablemente tanto esos libros de pintura como las ilustraciones de algunas de mis primeras lecturas (unos cuentos de Grimm escasamente ilustrados a tinta), pero también la observación de la manera de dibujar de mi madre, tengan que ver con mi manera más natural o inicial de hacer, figurativa. También me encantaban los libros de lectoescritura del cole (ilustrados por José Ramón Sánchez), y aquellos Sendas maravillosos de Santillana, donde había ilustraciones de muy diferentes estilos.

3. ¿Cuáles son tus referentes actuales?

Bueno, al igual que siento la influencia de los primeros acercamientos a la pintura y la ilustración, pienso que en estos años en que he intentado propiamente formarme como ilustradora he bebido de muchas fuentes y muy diversas, y creo que eso también se nota en cierta evolución, o en el interés por probar o incorporar a mis trabajos esos aprendizajes: unas veces por la composición o la manera de mirar y representar, otras por la técnica, otras por la forma de narrar. Hay referentes muy dispares, porque admiro el trabajo de muchísimas personas que se dedican a la ilustración, aunque en apariencia no se asemejen en nada a lo que yo hago. Si me es posible, además, intento seguir talleres o cursos suyos, como decía. Por ejemplo, durante el último año me he inscrito en cursos de Alejandra Acosta, Dani Torrent, Marián Lario, Ana Lartitegui o Laura McKendry… Pero habría muchos más nombres, desde luego.

Y, por supuesto, hay muchas autoras y autores que admiro por lo que escriben: también muchos y muy dispares. Me resulta muy difícil hablar de "referentes" claros; soy curiosa por naturaleza y tiendo a beber de muchas fuentes y muy variadas. Creo que en lo que hacemos aflora todo lo que hemos recibido, lo que nos conforma, también el ejemplo de personas que admiramos a veces en dedicaciones muy distantes de la nuestra. De todo va quedando un poso.

4. ¿De dónde surgió la idea de tu primer libro?

Todo lo que escribo o ideo últimamente suele tener un primer origen en mi propia trayectoria vital: a menudo en mi propia infancia. Mi primer libro como autora es, en realidad, el último que ha visto la luz, Tiempo de otoño, y se basa, a partir de la experiencia de los cambios que trae el otoño, en una doble fuente: por un lado están mis vivencias de esta estación en la infancia, no muy distintos a los de cualquiera, por otra, esas mismas vivencias como adulta, mucho más consciente de la fugacidad del tiempo. 
Tiempo de otoño © Concha Pasamar

Hay en el centro del libro una doble ilustración sin texto que recoge esa doble mirada: la niña concentrada en el mundo de fantasía del libro; la madre vuelta hacia el exterior, pero también concentrada hacia dentro, en una actitud reflexiva; ambas en un entorno amable y reconfortante, que es el que he tenido la suerte de vivir. Me siento representada -en todas las etapas de mi vida- en esa imagen y esa actitud atenta y consciente, pero también soñadora.
ilustración interior de Tiempo de otoño © Concha Pasamar

5. ¿Cómo fue tu primera experiencia como autora profesional? ¿Quién te dio la oportunidad?

Debo la publicación de mis dos libros hasta el momento como autora e ilustradora a Luis Larraza, de Bookolia; también la de mis primeros trabajos como ilustradora, que posibilitaron que me animara a mostrarles los proyectos completamente propios. En ambos casos estaban muy avanzados, casi cerrados, al proponerlos, aunque faltaran la mitad de las ilustraciones definitivas y las cubiertas y páginas de créditos. Primero fue Cuando mamá llevaba trenzas (2018) y luego Tiempo de otoño (2020), aunque el orden de su creación fue inverso. En el proceso de edición, que siempre es un diálogo fructífero, se tomaron algunas decisiones finales, y se creó el envoltorio, que es también muy importante en el caso de los álbumes.
Cuando mamá llevaba trenzas © Concha Pasamar

6. Sobre el proceso de escritura, ¿cuánto tiempo te lleva escribir una historia? ¿Dónde buscas la inspiración o los posibles temas?

En el caso de los álbumes ilustrados, la inspiración suele entroncar con alguna sensación, actividad o detalle de la infancia, como decía. Estos dos trabajos son en realidad una especie de repertorio de escenas, que presentan unidad temática, y lo cierto es que primero fue lo visual. Pero el texto dota a esos repertorios de una mayor coherencia y sentido, tanto a cada una de esas escenas en sí misma –en la combinación de imagen y palabras-, como al conjunto, que es una secuencia que se desarrolla –y se recibe- en una trayectoria y un sentido determinados. En estos casos, el proceso casi completo se llevó a cabo en los tres meses que duraron los cursos, y luego el resto de las ilustraciones se trabajó más adelante. Creo que las dos veces avancé lo grueso del resto en mis vacaciones.
Diseño de personaje de Tiempo de otoño © Concha Pasamar

Pero en realidad, los procesos, como sabemos, son siempre más complejos, y cíclicos, y comienzan mucho antes de tomar papel y lápiz. No digo que sea imposible, pero me resulta difícil pensar en un autor de álbum que se plantee ir desde el inicio al final de la obra de una manera lineal. Hay avances, parones, revisiones del planteamiento. Por otra parte, creo que es mucho más sencillo enmendar el texto que la imagen, por lo que me parece fundamental haber preparado muy bien y con calma el planteamiento general antes de lanzarse a las ilustraciones definitivas.
Pruebas para las guardas de Tiempo de otoño © Concha Pasamar 

Otras veces solo escribo, y en esos casos, lo esencial sale de un tirón, y es cuestión de dejarlo reposar y ver si pide cambios al cabo de un tiempo. En ese caso son pequeños textos de diferente naturaleza, con cierto tono poético, que suelen también partir del recuerdo, o de un instante cuya intensidad desencadena alguna emoción, cierta necesidad de retener ese momento. El paso del tiempo es una constante.
Diseño de personaje de Cuando mamá llevaba trenzas © Concha Pasamar

Pero también soy capaz de apasionarme por otros temas, y eso puede llevarme a escribir sobre ellos, me sucede también en la investigación, donde lo que más disfruto es lo que tiene relación con las historias y las voces individuales del pasado.

7. Proceso y metodología, ¿cómo te organizas y trabajas? ¿Podrías describirme tu día a día?

Como mi dedicación no es completa y mi trabajo como profe ocupa muchísimo tiempo –siempre hay que revisar cuestiones y maneras de hacer, y también investigar requiere muchas horas-, reduje mi jornada laboral ligeramente (un 20%) Dispongo así, cuando no hay urgencia –y a menudo la hay, y más en este año-, de alguna tarde. Pero sobre todo es por las noches, los fines de semana o en las vacaciones escolares cuando me pongo a hacer o pensar de manera más sistemática. De todas maneras, las ideas vienen en muchos momentos, a veces en los más inesperados, y creo que hay que estar en una actitud alerta constante, aprovechar los trayectos, por ejemplo. Me gusta pensar en movimiento: de camino al trabajo, en un paseo…, como acompañante de viaje soy un muermo cuando hay confianza, porque desde niña me encanta pensar y planificar mirando por la ventanilla del coche. Conviene tener una libretita a mano para anotar ideas a las que no podemos dedicar atención en el momento.
Ilustración interior de Tiempo de otoño © Concha Pasamar 

Sin embargo, tampoco soy muy ordenada en esto y debo forzarme a usar un mismo cuaderno, a no apuntar en cualquier papel, a ser más clara en lo que anoto (más de una vez he sido incapaz de recuperar la idea porque era demasiado breve: un par de palabras que luego se transforman en un enigma indescifrable)

En definitiva, en mi día a día intento cumplir en primer lugar con mi trabajo como profe, y luego encontrar huecos sin perderme otras cosas que me gustan, como mis clases de swing –que son sagradas porque me sientan muy bien-, leer o compartir tiempo con otras personas, o ver una peli, si me apetece, vamos. A menudo aprovecho el rato del sofá por la noche. Los fines de semana, como digo, sí procuro sacar unas horas seguidas, en una mesa, con materiales diferentes.

8. ¿Cuál es tu objetivo como autora e ilustradora? ¿Qué mensaje quieres transmitir a través de tus obras?

Pues lo cierto es que no me planteo objetivos ni mensajes concretos, siendo sincera. Intento disfrutar con lo que hago y me parece un regalo poder compartirlo a través de los libros, que siempre han sido esenciales en mi vida. Veo que en lo que publico como autora queda cierta constancia de aquello que me ha conformado, aquello que me hace feliz, y que ese algo es bastante sencillo: los pequeños detalles de la vida cotidiana, pero no es buscado. En ese sentido, creo que puede haber interpretaciones a favor de valorar lo sencillo y vivir conscientemente, pero no es algo que me proponga como mensaje. Escribo y creo por el propio placer de crear, que incluye también el placer de los desafíos y los retos. Tal vez en el futuro aparezcan otras líneas…
Ilustración interior de Cuando mamá llevaba trenzas © Concha Pasamar

9. ¿Estás trabajando en un nuevo libro? ¿Qué nos puedes contar sobre él?

Como ilustradora ando cerrando dos libros para este otoño de 2021 y uno más para el próximo. Como autora, voy trabajando en varias cosas al tiempo. De esos pequeños textos a los que me refería, hay un conjunto que presenta cierta unidad; tal vez me anime a cerrarlos e ilustrarlos, pero no inmediatamente, no hay prisa.

En cambio, sí que hay otros dos proyectos más concretos: uno es un libro informativo para A Fin de Cuentos. En realidad, yo escribo y publico regularmente textos expositivo-argumentativos por mi trabajo, pero este libro supone una nueva experiencia: por los destinatarios, por el formato, por el tema, que me parece apasionante por muchos motivos, y tiene que ver con el efecto que los libros son capaces de producir en las vidas individuales y en las sociedades.

El otro es un álbum ilustrado que ha surgido a partir de un ejercicio propuesto por Marián Lario. Cómo no, la idea parte de un recuerdo de mi infancia, pero se distancia más de lo real y es más propiamente infantil que mis libros anteriores. He conseguido escribirlo, hacer el storyboard y encontrarle editorial en un tiempo récord esta vez (lo que demuestra que cada proceso es diferente en mi caso); le haré hueco cuando termine con los trabajos a los que ya me he comprometido. Y tengo otras ideas, pero me pondré a darles forma cuando pueda.

10. Un último consejo a las que como tú, quieran dedicarse a esto:

Creo que, por una parte, es necesaria una actitud humilde y receptiva: que sean constantes la apertura y la disposición de escuchar, de aprender, de formarse; también la honestidad. También considero que hay que ser constante e insistente, pero con sentido común. Se precisan muchas destrezas en la profesión: ilustrar es más que dibujar, y conseguir que nuestro trabajo sea visible y se solicite también requiere ser sensible hacia otras artes, saber interpretar textos y documentarse, conocer el mundo del libro, moverse en el campo de la difusión, comunicarse adecuadamente con editores, autores, lectores, mediadores… Son muchas variables y se nos pueden dar mejor o peor, pero hay que tenerlas todas en cuenta y conocerse bien para compensar las limitaciones con las virtudes o incluso hacer virtudes de las limitaciones. Luego está también el factor de la suerte, de la conjunción de ciertas circunstancias, que no depende tanto de una misma, y yo debo reconocer que la suerte me ha acompañado, pero también que la experiencia vital ayuda, y yo tengo ya muchos años ;)
Ilustración interior de Cuando mamá llevaba trenzas © Concha Pasamar



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