domingo, 16 de septiembre de 2018

Ilustrando a... Cinta Villalobos

Bienvenido/a a esta sección de entrevistas a autoras integrales de álbum ilustrado cuyo objetivo es conocer sus procesos de creación y visibilizar su obra.
 
Hoy te presento el trabajo de Cinta Villalobos.

1. Tus inicios. ¿Cuál es tu formación académica?
 
Estudié Bellas Artes en Salamanca, donde sólo había una asignatura de ilustración. Años después hice un postgrado de ilustración en Eina, en Barcelona. Aunque los cursos que más me ayudaron fueron del Inem: uno de Técnico auxiliar de Diseño Gráfico, donde aprendí a usar Photoshop, Illustrator e inDesign, y otro de auto-ocupación, donde hice un plan de empresa que me ayudó a enfrentarme a los gastos que iba a tener como autónoma.
 
¿Cuándo te interesaste por la ilustración y en especial, por el álbum ilustrado?
 
Siempre me gustó dibujar y leer, me encantaban los libros en general. El género del álbum ilustrado en sí creo que lo descubrí en 2010 por un taller de ilustración al que asistí. Fue un descubrimiento.
© Cinta Villalobos
 
2. ¿Recuerdas tus cuentos favoritos de pequeña? ¿Crees que te han influido en tu trabajo?
 
Recuerdo algunos cuentos, aunque tengo un poco mezcladas las cosas que leí de pequeña y las que leí ya de adolescente. Algunos libros que me gustaron mucho fueron "La bolsa amarilla", "Rosa caramelo", "Mathilda", "La historia interminable"... Pero también me influyó mucho el cómic (leí montones de Astérix y Mortadelo y Filemón). Y, sobre todo en la adolescencia, mi gran influencer fue mi hermano y las cosas que compraba: revistas con ilustraciones de Warhammer y manga, como la revista Shonen. Por no hablar de los dibujos animados de la televisión...
© Cinta Villalobos
Con el manga empecé a dibujar muchísimo más, lo tengo claro. No sé concretar influencias, hay montones de recursos narrativos visuales que no utilizaría si no los hubiese visto antes.
 
3. ¿Cuáles son tus referentes actuales?
 
Me encanta el trabajo de Magali Le Huche, los álbumes de Chris Haughton, Jon Klassen, Benji Davies… y un montón más, con las redes sociales descubres el trabajo de gente que, sin tener nada publicado, es buenísima.
 
4. ¿De dónde surgió la idea de tu primer libro?
 
Pues se me ocurrió de una manera bastante casual. Iba a ir a una feria y hice para vender unos cuadernillos a los que titulé "Ideas para días de lluvia", porque los había decorado con dibujos de gotas, nubes y paraguas. Y un día me puse a pensar en la lluvia y todo lo que implicaba y se me ocurrió una primera versión de la historia.
© Cinta Villalobos
5. ¿Cómo fue tu primera experiencia como autora profesional? ¿Quién te dio la oportunidad?
 
Mi primer encargo después de decidir ponerme en serio con la ilustración fue para libro de texto. Me lo hizo la editorial SM. El primer libro infantil que ilustré fue de Anaya. Y el primer álbum ilustrado que conseguí publicar, en el que había hecho texto e ilustración, fue con una editorial suiza llamada Atlantis.

 
6. Sobre el proceso de escritura, ¿cuánto tiempo te lleva escribir una historia? ¿Dónde buscas la inspiración o los posibles temas?
 
Cuando trabajo en un proyecto de álbum infantil, no hay una parte específica dedicada al proceso de escritura. Pienso en el texto al mismo tiempo que pienso en la idea del libro en general, en las páginas, hago también bocetos pequeños de las ilustraciones que pienso que irían bien en cada página.
© Cinta Villalobos
No suelo buscar ideas conscientemente, me vienen de diversas maneras, a veces viendo otros libros, a veces hablando con amigos, a veces oyendo lo que dice un niño. En mi álbum "Rabia", la idea me vino en un sueño.
 
7. Proceso y metodología, ¿cómo te organizas y trabajas? ¿Podrías describirme tu día a día?
 
Seguir rutinas no es mi fuerte. Mi día a día varía dependiendo de la carga de trabajo que tenga. Procuro no mirar ni mails ni redes sociales hasta haber estado ya un rato trabajando.
 
8. ¿Cuál es tu objetivo como autora e ilustradora? ¿Qué mensaje quieres transmitir a través de tus obras?
 
No he pensado en un objetivo en sí, si hago historias es porque me gustan y espero que le gusten a más gente. Me encantan las historias que tienen humor, las que tienen cierta poesía, las que te dejan pensando después de haber cerrado el libro, las que tienen páginas tan bellas que te dan ganas de enmarcarlas... Creo que más que un mensaje, lo que queda de los libros es una emoción. Las historias con "moraleja" no me gustan nada.
© Cinta Villalobos
 
9. ¿Estás trabajando en un nuevo libro? ¿Qué nos puedes contar sobre él?
 
Ahora mismo estoy trabajando en dos encargos: uno es una novela infantil que por primera vez no voy a ilustrar sino a escribir, y el otro es un libro infantil de cartón sobre aeropuertos que saldrá en Reino Unido.
 
Sobre mis proyectos personales... son como los bichos de este gif.
  
10. Un último consejo a las que como tú, quieran dedicarse a esto:
 
Hay muchos caminos, y a base de insistir y de equivocarse, cada uno acaba encontrando el suyo.
© Cinta Villalobos
 
Para obtener más información sobre Cinta Villalobos, puedes visitar su página web
También puede seguirla en su página de Facebook Instagram.
 
 
 
 
 
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lunes, 3 de septiembre de 2018

Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento: la publicación (I)

¡Enhorabuena! Has terminado tu proyecto. ¿Ya has decidido cómo lo vas a publicar?

Hace unos años, en la era pre-digital, esta decisión venía determinada por las editoriales, que eran quienes delimitaban y definían el trabajo del autor, pero hoy, gracias a la democratización de los medios, la publicación de un libro es un trabajo más sencillo y económico.

Te presento tres posibles opciones. Los aspectos técnicos te ayudarán a darle un formato u otro:
1. Presentarlo a un concurso
2. Enviarlo como propuesta editorial
3. Optar por la autopublicación (a lo Juan Palomo: "yo me lo guiso, yo me lo como")

Veamos sus ventajas e inconvenientes:

1. Concursos/convocatorias/premios...


Voy a ser contundente: es difícil ganar un concurso de editorial "grande" porque ya se sabe que ese premio está concedido de antemano, prácticamente siempre a autores de la casa o bien a otros fichajes en mente con potencial para vender.
Sin embargo, esos concursos pueden ser una forma, no de ganar, pero sí de hacerte más visible. Fue lo que le sucedió a Sandra de la Prada tras presentar su propuesta de Hansel y Gretel al concurso Europe a la Carte organizado por OQO Editora en 2013. 
Mejor propuesta de ilustración para Hansel y Gretel de Sandra de la Prada

Ganó Iratxe López de Munáin, y aunque Sandra quedó finalista, la editorial se fijó en ella y le propuso publicar, meses más tarde, La cocinera del rey (2014).
La cocinera del rey © Sandra de la Prada

Podría ser que no se diera este caso, no te digo yo que no, pero imagina que quedas finalista... podrías vender este hecho como un valor destacado a la hora de mover tu maqueta posteriormente, aunque la editorial promotora del premio no te fiche.
Por suerte no todos los concursos son de "primera categoría" y la mayoría tienen como premio la publicación, además de una dotación económica bastante decente. De hecho, algunas editoriales respaldan esos concursos y son la salida a los ganadores que no están ya predeterminados en los premios más grandes.
En todo caso, deberías saber que este tipo de concursos están restringidos normalmente a obras originales o inéditas (no aceptan adaptaciones).
La mayoría de las convocatorias demandan la confección de una maqueta de texto e imágenes en esbozo y 3 ilustraciones acabadas para hacerse una idea del estilo. Otros concursos, los más ambiciosos, piden que el proyecto esté completamente acabado. Esta última opción es una inversión que debes valorar si te compensa o no.


¿Dónde buscar? 

Jorge Gómez Soto actualiza las convocatorias de Lij desde el blog Literatura infantil y juvenil actual
Buena pregunta... ¡Ojalá existiera un sitio web bien ordenado donde encontrar todas las convocatorias!, pero casi... Lo que más se le parece es el blog Literatura infantil y juvenil actual, además de estos directorios que te indico a continuación:
- Guía de concursos
- Escritores
(en los dos primeros actualizan continuamente y puedes suscribirte a sus boletines)

Aun así, para complementar la información, deberás iniciar una labor detectivesca por la red, pues los concursos caducan de un año para otro, y algunos aparecen y desaparecen como el Guadiana. Fue el caso del 18º Premi de Conte Infantil Sant Joan de Déu. Después de ser desconvocado en 2014 tras la desaparición de la editorial La Galera, fue recuperado nuevamente con la misma 18º convocatoria, pero a través del grupo Planeta. 

Cuando tengas localizados todos los concursos, sitúalos en el calendario. De esta manera podrás elaborar una planificación anual que te servirá para gestionar tu trabajo y participar activamente en aquellas convocatorias que te ayuden a generar trabajo (por eso de "cumplir" cuando hay fechas límite) y no perder grandes oportunidades.

Reseño aquí además las ferias del libro, porque también integran concursos de ilustración. Es el caso del International Award for Illustration - Bologna Children’s Book Fair / Fundación SM o el Mac Millan Prize del Reino Unido, restringido a estudiantes de escuelas de arte e ilustración.

Mi consejo es que te presentes a varios concursos, pero, si lo haces, hazlo con una estrategia. No te marques como único objetivo ganar (si ganas, tanto mejor, pero no es lo importante). Puedes quedar finalista o clasificado con alguna mención especial y aunque eso no te lleve a la publicación directa, te puede dar un nombre, un cierto estatus, lo que conecta con la siguiente opción: enviar tu maqueta como propuesta editorial.

Pero, como existe mucha literatura al respecto, lo dejaremos para la próxima entrada, ¿te parece?

Antes de despedirme, me gustaría saber si el tema de hoy te motiva tanto como para querer participar en concursos de álbum ilustrado. En otras palabras: ¿crees en la magia, en los unicornios y en tu proyecto?, ¿te gustaría conocer 7 reglas de oro para ganar un concurso de álbum ilustrado?

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martes, 28 de agosto de 2018

Lisboa y Oporto

¡¡¡Ya he vuelto!!!

Bueno, llegué el viernes 24 de agosto a las 12 de la noche después de 7 largas horas de viaje desde Oporto hasta Sabadell (qué poco me gustan los aeropuertos...) pero ha valido la pena.

Lo más importante era desconectar y disfrutar del viaje. Visitar monumentos, palacios y museos, patear la ciudad y, ¡cómo no!, comer bien.

Como buena alumna aplicada, he seguido los consejos de amigos y familiares aunque en temas de corazón, no hay recomendación que valga. Que sí, que Oporto es muy bonita, casi de postal, pero me quedo con Lisboa y con su particular disposición a lo largo de las siete colinas que la conforman.
Mapa de Lisboa que venía en la revista Ling de Vueling © Maria Castelló

A pesar de que este año ya llevo dos viajes a mis espaldas, y no sé si caerá un tercero, realmente necesitaba salir y cambiar de aires.
Portugal me ha sorprendido e inspirado. Enumerar todo lo que me llevo es imposible así que baste este particular resumen:
las intrincadas callejuelas empinadas, el suelo adoquinado, las espectaculares vistas desde los miradouros, los azulejos, los eléctricos (tranvías), los colores vivos de las fachadas, las iglesias barrocas recubiertas de azulejos, la saudade, el sol del oeste, las desembocaduras del Teijo y el Douro, el océano Atlántico, los puentes, los portugueses, el idioma y, ¡cómo no!, la comida (Caldo verde; Sardinas asadas; Arroz de marisco; Bacalhau à bràs, en caldeirada, en pastéis,...; Pan de Deus; Pastéis de Belém; Croissants de brioche; Bifanas; Francesinhas,...). ¿Se nota que disfruto de la comida? ;)

En cuanto a cosas materiales, me he traído estos álbumes ilustrados de la librería más antigua del mundo, la Bertrand de Lisboa (en la Lello de Porto te pedían 5 € para entrar):

- O tempo de gigante, de Carmen Chica y Manuel Marsol, Editorial Orfeu negro, 2015. Premio Mejor ilustración infantil Amadora de álbum infantil en Portugal de 2015 y 1r premio en el 5º Catálogo Ibero-americano de ilustración de 2014. 
Es un libro sobre el paso del tiempo que nos invita a recordar que hay un misterio escondido detrás de las horas más anodinas del día. 
Puedes contrastar el magnífico trabajo de narrativa visual de Manuel Marsol que le valió todos estos premios a través del book trailer.

- ABZZZZ..., de Isabel Minhós Martins y Yara Kono, Planeta Tangerina, 2014. Seleccionado en el Nami Concours de 2015. El estilo gráfico de Yara Kono me pareció representativo, muy portugués. El título reproduce la onomatopeya de cuando caemos dormidos y de eso se trata, de provocar sueño a esos niños que se resisten a caer en brazos de Morfeo porque estar despierto es más divertido. Para conseguirlo ABZZZZ propone un ABC del sueño que hará cerrar los ojos de los más pequeños mucho antes de que el abecedario llegue a su fin. De hecho, hasta el título del libro consiguió dormirse...

- Eléctrico 28, de Davide Cali y Magali Le Huche, Nuvem de Letras, grupo editorial Penguim Random House, 2017. Es un puro souvenir a pesar de que el escritor es italiano y la ilustradora francesa, y fuera publicado originalmente en francés por ABC Melody. Explica el día a día de Amadeo, un conductor del mítico tranvía 28 de Lisboa que tiene un propósito secreto: hacer vivir a sus pasajeros historias de amor en una de las ciudades más románticas del mundo.
El trabajo de Magali Le Huche es bastante solvente. Puedes conocerla mejor en esta entrada que Cristina Camarena le dedicó en el blog de Kireei.



Se acabó el sueño y toca volver a la realidad. Poner lavadoras, hacer cuentas de los gastos, poner en orden el bullet journal, retomar tareas,... en definitiva, ¡ponerme al día!
¿Y tú qué tal? ¿Has hecho vacaciones? ¿Has ido a algun sitio para desconectar y recargar baterías?

Cuéntame en los comentarios ;)



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miércoles, 8 de agosto de 2018

Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento: la edición

Llegamos a la parte más importante, emocionante y gratificante: terminar tu proyecto.
Para llevarlo a cabo tocará examinar con ojo crítico las ilustraciones y confeccionar una maqueta del libro.

EVALUACIÓN

Dispón las dobles páginas en el tamaño o formato que habías pensado y ordénalas secuencialmente para tener una impresión general. Examínalas con mirada crítica para decidir si el ritmo, la fluidez, la impresión general y la estructura del libro son como tú querías. Tal vez así te des cuenta de que lo que funciona a pequeña escala no funciona en términos de composición a mayor escala. Este es el momento de hacer todos los cambios que consideres necesarios.
Un vistazo general a las dobles páginas permite ver cómo funcionan las imágenes en conjunto y nos da una impresión del ritmo.

 
MAQUETA ARTESANAL

La maqueta hecha manualmente se considera una pre-maqueta. Aunque no es definitiva, puede ofrecernos un aspecto bastante aproximado de cómo quedaría nuestro libro publicado.
Si la hacemos bien, puede convertirse en una maqueta digna de ser enseñada cara a cara a un editor (ya que con ella se puede hacer una idea de cómo quedaría la publicación definitiva). 

Normalmente las maquetas manuales no suelen ser muy grandes. Lo normal es que la doble página no supere el formato de un DIN A3. Suele hacerse con los bocetos detallados a línea, delimitando el texto con la mayor precisión posible, añadiendo marcas de registro y, si queremos, anotaciones de color.

Puedes crear una maqueta mucho más elaborada si terminas dos o tres dobles páginas (arte final). Aprovecha esos "finales" para mostrar tus habilidades con las técnicas y los materiales que has elegido trabajar. Fotocópialos o escanéalos integrando esas copias en las demás páginas con los bocetos a línea.

En Internet tienes miles de tutoriales que muestran cómo realizar una maqueta, desde la más sencilla (encolando manualmente las páginas) a la más sofisticada, con cosidos y cubiertas en cartoné.

En esta simpática guía ilustrada de Lucía Serrano verás como, una vez hechos los bocetos, deberás recortar las dobles páginas a una misma medida con la ayuda de un cutter, bisturí o guillotina.
© Lucía Serrano

Después, con una plegadera, se doblan las páginas por la mitad, incluidas las guardas, la portadilla y la página de créditos, y se les va aplicando pegamento de barra o en spray, a una de las caras en blanco, para juntarla con la siguiente.

Una vez tengamos todas las hojas pegadas y la maqueta armada, nos aseguraremos de que todas las páginas formen un bloque con la misma medida, eliminando con un cutter y regla metálica cualquier sobrante.

Finalmente, para que el lomo de la maqueta quede más presentable, aplica cola blanca con un pincel a lo largo del lomo y pon una tira de cartulina encima. Presiona con firmeza y deja que tu libro se seque durante varias horas o, preferiblemente, toda la noche.
Maqueta cosida, encolada y encuadernada en tapa suelta en cartoné de "Cigronet" © Laia Codina

Como ves, montar una maqueta artesanal es más sencillo de lo que parece.


MAQUETA DIGITAL

Si lo que quieres es mostrar tus originales a un editor, te recomiendo que hagas una maqueta digital para enviársela por correo electrónico.

Aunque el montaje de originales requiere de unos conocimientos básicos en tratamiento de la imagen y de maquetación, en Internet puedes encontrar conversores web que te agrupan las 17 imágenes que componen un álbum ilustrado de 32 páginas, en una maqueta en pdf.
Busca en google: "convertir jpg en pdf" y te aparecerán a montones.

Si, por el contrario, quieres crear una maqueta mucho más elaborada, lo primero que deberás hacer será escanear, retocar (trabajando con márgenes y marcas de corte) y realizar el montaje final en pdf.
Los programas más usados para llevar a cabo estas tareas de post-producción son Photoshop e Illustrator.

1. Escaneado: escanear puede llegar a ser muy tedioso a la vez que frustrante cuando el resultado que vemos en pantalla está muy alejado de nuestro original, especialmente en técnicas delicadas como lápices y acuarelas en las que el escaneado ha obviado o quemado las texturas, transparencias y la calidez que las caracterizan.
Un buen truco para conseguirlo es escanear a bajo contraste. Haciéndolo así, conseguirás que las zonas claras y las oscuras no desaparezcan y que en las zonas intermedias se aprecien mejor todas las texturas. Aunque el resultado nos ofrezca una imagen plana y oscura, se puede retocar luego en Photoshop, incluso no ya de forma general, sino también seleccionando partes concretas de la ilustración según la necesidad.
Se recomienda escanear en modo CMYK y a 300 dpi de resolución.

2. Documento maestro: lo primero que hay que hacer es armar un archivo "maestro" a modo de plantilla con la medida definitiva de las dobles páginas añadiéndole 0,5 cm a cada lado de margen. Situaremos esos márgenes con guías, así como la mitad de la doble página.

Una vez escaneadas las ilustraciones, abrimos nuestro archivo maestro y colocamos ahí las dobles páginas definitivas, una por una. Para que se vean, nos aseguramos de que la capa de las marcas de corte, "marco", esté en primer lugar.

3. Retoque: es el momento de usar las posibilidades de retoque que nos ofrece el programa para recortar, limpiar, mover elementos, probar diferentes combinaciones de colores a través del uso de las capas, las máscaras, los filtros y demás efectos para aplicar esos cambios que habíamos detectado en la fase de evaluación. 
© Mariona Cabassa

4. Maquetación: en cuanto a la tipografía, evita la negrita y opta por una fuente fina, redonda y de tamaño grande (cuerpo 11 o 12) para que sea legible (piensa en tu público: niños de 6 a 8 años). Ubica el texto en una caja que diste, como mínimo, 1'5 cm respecto a los límites del formato.

Para crear la maqueta en pdf deberás haber guardado todas las ilustraciones finales en formato .tiff y, desde Photoshop, tienes que ir a: "Archivo" → "Automatizar" → "Presentación en pdf".
En "Explorar", selecciona las ilustraciones maquetadas y numeradas (17 imágenes), y pulsa "Guardar" en una carpeta de destino final donde automáticamente se creará el documento en pdf.
Para evitar que pese demasiado, elige calidad media (5) y te guardará un pdf a baja resolución, a 150 dpi. aprox.

En cuanto tengas listas ambas maquetas, la digital y artesanal, te preguntarás: ¿y ahora qué?, ¿cómo contacto con un editor?, ¿qué le escribo?, ¿cómo le "entro"?
¡Ah, amigos!, esas cuestiones y más, las dejaré para el próximo post ;)

¡Nos leemos después de las vacaciones!




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martes, 24 de julio de 2018

Ilustrando a... Anna Aparicio Català

Bienvenido/a a esta sección de entrevistas a autoras integrales de álbum ilustrado cuyo objetivo es conocer sus procesos de creación y visibilizar su obra.

Hoy te presento el trabajo de... Anna Aparicio Català

1. Tus inicios. ¿Cuál es tu formación académica? ¿Cuándo te interesaste por la ilustración y en especial, por el álbum ilustrado?

Siempre me ha gustado dibujar, de pequeña me pasaba muchas tardes dibujando en casa. Y siempre me han gustado las historias; que me contaran cuentos, ver películas, leer...

Cuando empecé el instituto me apunté a clases de dibujo en la Escuela de arte de mi pueblo con la profesora Rita Sañé, que me transmitió su pasión por el dibujo y la pintura. Para mí siempre será una persona muy importante dentro de mi itinerario artístico.
Más adelante decidí estudiar Bellas Artes en la Universitat de Barcelona, y me especialicé en dibujo, que es lo que más me había llamado la atención desde siempre.

Paralelamente cursé los estudios de ilustración en L’Escola de la Dona con Ignasi Blanch, que desde el principio fue un referente para mí en este campo. Fue entonces cuando me interesé profesionalmente por el álbum ilustrado. Antes de pasar por l’Escola de la Dona apenas sabía lo que eran los álbumes... y allí aprendí muchísimo, por no decir todo lo que sé sobre ilustración.
Cuando terminé Bellas Artes cursé un Máster en Libros y literatura infantil y Juvenil, para entender un poco más el mundo de la LIJ. 

2. ¿Recuerdas tus cuentos favoritos de pequeña? ¿Crees que te han influido en tu trabajo?
 
Mi abuela siempre me contaba historias antes de ir a dormir, y me acuerdo de que era algo importante para mí. La verdad es que cuando era muy pequeña me habían leído mucho cuentos, y me gustaban muchísimo todos.

Y cuando empecé a leer, recuerdo tener por casa libros con ilustraciones que me maravillaban, por ejemplo "Bon profit!" o "Per molts anys" de Miquel Martí i Pol, poeta de mi comarca, con ilustraciones de Carme Solé i Vendrell. Y también recuerdo que me encantaba la colección de mitos griegos "Mites" editados por Cruïlla e ilustrados por Tony Ross. 

A parte de libros, también miraba muchas películas, sobretodo de Disney; me acuerdo de ver infinitas veces El Rey León, me fascinaba Alícia en el país de las maravillas, La bella durmiente, Fantasía, que era una locura pero ¡me tenía ensimismada!... La sirenita, Pulgarcita... la lista es interminable. Las había visto todas ¡muchísimas veces! Y de vez en cuando aún las revisito, creo que son una maravilla, el dibujo es genial. 
© Disney

No sé en qué grado, pero estoy segura de que todo esto me ha influído, quizás no siempre de manera directa en mi trabajo, pero creo que todo lo que vemos, las personas que conocemos, los lugares que visitamos... dejan huella y acaban saliendo de una manera u otra en el trabajo artístico. De hecho, éste no deja de ser un reflejo de nuestro día a día. 
 
3. ¿Cuáles son tus referentes actuales?

Mis referentes. El referente sin lugar a dudas para mí siempre ha sido Shaun Tan. Admiro su manera de contar historias, siempre tan poético y onírico, y el hecho de que sea autor e ilustrador, admiro su oficio como ilustrador, su amplio e impecable rango de registros gráficos, su capacidad de narrar con imágenes.

© Shaun Tan

Uno de mis primeros referentes en ilustración fue Rebecca Dautremer. Me fascina su dominio del color, sus perspectivas y personajes, su cuidado por los acabados, siempre la tengo en mente.

© Rebecca Dautremer

Realmente hay muchos ilustradores a los que admiro y son referentes para mí, muchos de la escuela francesa de ilustración, entre ellos Olivier Tallec, Sébastien Mourrain, Eric Battut, Renaud Perrin, Laurent Moreau, Kitty Crowther, Albertine, Isabelle Arsenault, Benjamin Chaud… 
© Olivier Tallec                                           © Sebastién Mourrain                              © Kitty Crowther

pero también ilustradores que tengo más cerca, como Ignasi Blanch, Eva Sánchez, Elena Odriozola, Jorge González, Jana Glatt o Rebeca Luciani.

  © Ignasi Blanch                                              © Eva Sánchez                                        © Elena Odriozola

También admiro mucho a ilustradores clásicos como Edward Gorey o  Maurice Sendak.
Respecto a los referentes fuera del mundo de la ilustración, he seguido mucho el trabajo de pintores como Edward Hopper, Felix Vallotton o Cy Twombly. 
       © Edward Hopper                                           © Felix Vallotton                                    © Cy Twombly

Me interesa mucho la fotografía de Chema Madoz, y la estética del director Wes Anderson...y no terminaría nunca de citar artistas...
      © Chema Madoz                                  © Wes Anderson                            

4. ¿Cómo fue tu primera experiencia como autora profesional? ¿Quién te dio la oportunidad? 

Mi primer libro surgió gracias a un concurso que organizó Ignasi Blanch en l'Escola de la Dona el año 2013, en colaboración con Patric de San Pedro, el editor de Takatuka. Desde el aula nos dieron un texto, y los alumnos interesados en participar tenían que presentar 2 ilustraciones a doble página de uno de los fragmentos. A mí la historia me pareció muy entrañable a primera lectura; se titulaba "Rabietas". Hice las dos ilustraciones muy a gusto y tuve la suerte de ser seleccionada para realizar todos los dibujos del libro.
© Anna Aparicio

Estoy muy contenta y agradecida de que esa fuera mi primera experiencia profesional, ya que aún estaba estudiando en l’Escola de la Dona e Ignasi me ayudó muchísimo con el desarrollo del álbum. Recuerdo llevar el proyecto a clase cuando estaba bastante avanzado, y poderlo compartir y comentar también con los compañeros, fue algo muy enriquecedor y lo recuerdo con mucho cariño. 

5. ¿De dónde surgió la idea de tu primer libro?

La idea de mi primer libro como autora e ilustradora, el libro "Agua" (2016, publicado por Babulinka Books) salió de una imagen que tenía en la cabeza desde que era niña. Cuando era pequeña, solíamos ir al Pantà de Sau* con mis padres y mi hermano. Como no nos quedaba lejos de casa, íbamos varias veces al año. Y dependiendo de la estación en la que íbamos, podíamos ver la punta del campanario asomando en la superficie del agua. Otras veces el nivel del agua estaba tan bajo que podíamos ver toda la iglesia, incluso ¡habíamos entrado alguna vez! Como niña me parecía extraordinario, ¡mágico! Poder entrar en una iglesia sumergida parte del año e imaginar lo que pasaba allí cuando el agua lo cubría todo. Mi álbum "Agua" cuenta la historia de un pueblo inundado por una lluvia misteriosa, y toda la historia salió a raíz de una serie de esbozos que tenía de sitios inundados.

*El Pantà de Sau es un embalse que cubrió el pueblo de San Román de Sau donde aún quedan algunos restos.
© Anna Aparicio

6. Sobre el proceso de escritura, ¿cuánto tiempo te lleva escribir una historia? ¿Dónde buscas la inspiración o los posibles temas?

Es difícil determinar cuánto tiempo lleva escribir (no tengo mucha experiencia en este proceso), o desarrollar un proyecto. Depende de muchas cosas. Creo que las ideas siempre están ahí, pero es necesario encontrar el momento adecuado para generar historias, partiendo de las ideas que almacenamos en la cabeza. Y es necesario forzar un inicio; hacer algo para que salgan historias de lo que solamente son ideas. Hay proyectos que parece que salen de la noche a la mañana, pero en realidad la idea inicial igual surgió hacía mucho tiempo, o el tema es algo que te ronda la cabeza a menudo. 

7. Proceso y metodología, ¿cómo te organizas y trabajas? ¿Podrías describirme tu día a día?

Me organizo como puedo… organizo mucho. Hago listas y listas de cosas para poder tacharlas, y no siempre lo consigo. Trabajo desde casa, tengo una mesa llena de material y papeles que voy desplazando a distintos rincones de la habitación según me conviene. La verdad es que funciono un poco como una montaña rusa; tengo picos de motivación y de trabajo compulsivo; si tengo ganas de dibujar soy capaz de pasar muchísimas horas en ello… a veces necesito ayuda para parar. Y viceversa, a veces tengo un proyecto cruzado y me ocupo en todo lo que puedo para no tener que afrontarlo. Pero lo que pasa más a menudo es lo primero. 
En el proceso de creación de un libro aboceteo mucho. Me encanta. Tengo muchas libretas llenas de dibujos a lápiz y a boli. Me gusta mucho la fase en la que se empieza a gestar el proyecto; disfruto mucho con la creación de personajes, con la composición. 
© Anna Aparicio

En general hago un storyboard muy pequeño y en blanco y negro para situar espacios (cada vez intento ser más consciente de la importancia de dejar espacio para que respire el texto, si no vigilo tengo tendencia a llenar toda la página).

© Anna Aparicio

Una fase en la que a menudo tengo problemas es la de definir la técnica final. Me gusta mucho el trazo del lápiz, me encantan los dibujos a grafito, y también me gusta mucho la pintura. A menudo el boceto tiene una frescura que me resulta imposible de reproducir en el dibujo final, y no siempre estoy segura de si la técnica elegida es la más adecuada para la ilustración final. 
© Anna Aparicio
 
8. ¿Cuál es tu objetivo como autora e ilustradora? ¿Qué mensaje quieres transmitir a través de tus obras?

No sabría decirte exactamente cual es mi objetivo. Me gusta dibujar, y no sólo esto, sino que creo que lo necesito. No es que lo haga con un propósito concreto, es una manera que tengo de canalizar y plasmar emociones, inquietudes, problemas, alegrías, todo.
Creo que una vez hecho el trabajo puedo reflexionar y ver lo que posiblemente he querido transmitir. Pero muchas veces solamente tengo ganas de contar una historia y de generar un contexto visual, un mundo alrededor.
Me parece precioso que lo que yo hago para mí tenga sentido para muchas más personas; que la historia llegue a más gente que se pueda sentir identificada con lo que estoy contando. Pero tengo que admitir que muchas veces lo que me impulsa a crear no es explicar algo a un público, sino crear una historia para mí.

9. ¿Estás trabajando en un nuevo libro? ¿Qué nos puedes contar sobre él?

Acaba de salir un libro nuevo editado por Takatuka y con texto de Fran Nuño que se llama "Nuestro circo". Es un proyecto en el que he estado trabajando casi 2 años y la verdad es que me hace muchísima ilusión que salga a la luz. Además, la edición ha quedado preciosa. 
© Anna Aparicio

También acaba de salir (lo vi hace poco por primera vez en formato libro) el "Batiscafo en las nubes", un almanaque de cuentos publicado por Kireei, donde he ilustrado una de las historias magníficamente escrita por Germán Machado; El caballo de la plaza mayor. Es una historia muy mágica que ilustré con muchísima ilusión, ya que el texto me cautivó desde el principio. 
© Anna Aparicio

Ahora mismo estoy preparando algo nuevo con la editorial Babulinka que saldrá en Navidad y que es un proyecto muy especial, pero no puedo contar mucho más.  

10. Un último consejo a las que como tú, quieran dedicarse a esto:

Mantenerse motivada es muy importante. Creo que para dedicarse a cualquier cosa... la motivación es crucial. Pero sobretodo en trabajos artísticos y creativos como la ilustración, que normalmente es un trabajo solitario, es importante estar muy enamorado del proyecto y creer en lo que haces. 
© Anna Aparicio

Ponerse pequeñas metas; por ejemplo, el tema de los concursos o las ferias del libro son buenas excusas para ponerse las pilas, para autodefinir una fecha límite en la que terminar un proyecto. A veces si no hago esto las pequeñas cosas del día a día se comen mi tiempo y termino dejando las cosas a medias.
La ilustración, como muchas otras disciplinas artísticas, es una carrera de fondo; pienso que la clave es no parar. E intentar no frustrarse demasiado (yo me frustro mucho y a menudo), porque forma parte del proceso.
No parar de dibujar, encontrar momentos de tranquilidad o de aburrimiento, si cabe (cosa muy complicada en los tiempos que corren) para dejar fluir el trazo y que ocurran cosas. 
© Anna Aparicio



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