jueves, 27 de abril de 2017

Desconectar para reconectar

No sé si el lunes pasado no te extrañó no recibir mi newsletter ni ver que aquí tampoco había posteado la siguiente entrada sobre "Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento".
¿El motivo?
¡¡Tacháááán!!
Me he sometido a una -necesaria- operación de rodilla fruto del desgaste y de la lesión que sufrí volviendo de Madrid durante el Puente de la Inmaculada (puedes refrescar la memoria leyendo este post).

Mientras esperaba para operarme, he aprovechado esta situación de "provisionalidad" como he podido aunque NO todo lo que debería... Por eso y porque la nueva situación me obliga, desconecto una temporada de las redes sociales (blog, newsletter, facebook, IG,...). 


Don't panic. No es el fín del mundo. Voy a desconectar para volver a conectar. 
Dicho de otro modo: voy a cuidarme, voy a recuperarme y voy a ilustrar. Voy a sacar adelante -de una vez por todas- mis proyectos procrastinados y postpuestos. Ahora o nunca. Se acabaron las prórrogas.
Voy a dejar de ser tan cazurra y hacer caso a mi amiga Mercè Canals
Y como en todas las despedidas temporales, prometo volver pronto para enseñártelo TODO.

De momento, aquí tienes un pequeño avance de lo que vendrá... 

Si quieres enterarte antes que nadie de mi regreso y no perderte todas las cosas que estoy guardando en la recámara, ¿no sería mejor que te suscribieras a mi blog? ;)
Encontrarás el botón de suscripción aquí o en la parte superior de la columna derecha.

Gracias por tu paciencia. 
¡Nos vemos pronto!

domingo, 9 de abril de 2017

Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento: los personajes

Hoy dejaremos las cuestiones literarias para adentrarnos de lleno en la ilustración.
Como hice en la entrada anterior, y como comenté con ocasión del taller de ilustración infantil que impartí la semana pasada, quiero resaltar la diferencia entre ilustración y dibujo. Aunque parezcan conceptos muy parecidos, no lo son.

¿Dibujas o ilustras?

Según la definición de la RAE, el dibujo es “el arte de dibujar. Trazar en una superficie la imagen de algo”. En cambio, la ilustración es definida como “la acción o el efecto de ilustrar. Proviene del latín illustrāre que significa dar luz al entendimiento”.
Aunque se sirva del dibujo, ilustrar consiste en describir una situación con una imagen que muestre los datos necesarios para entenderla mejor. Es explicar conceptos a través de imágenes; equivale a comunicar una idea, expresar un sentimiento, una emoción.
No se trata de dibujar bien, sino de pensar QUÉ queremos comunicar con la intención de provocar un pensamiento en nuestro lector. Es decir, que lo que queremos representar sea interpretado de la misma manera por quien nos lee.
Por eso la ilustración va más allá del dibujo, porque implica un proceso mental superior.

Izquierda: Cabeza de Leda de Leonardo da Vinci (1505). Derecha: "Madama Butterfly" de Benjamin Lacombe, Ed. Edelvives (2014)


Aclarado esto, si tu objetivo es comunicar visualmente, ponte cómodo que empezamos:

El CÁSTING o diseño de PERSONAJES

Antes de empezar a desarrollar las imágenes, hay que definir los elementos que aparecerán en ellas, es decir, diseñar los personajes.

El diseño de un personaje convincente requiere la capacidad de crear personajes con personalidad e intereses bien definidos de manera que éste sea creíble, coherente y atractivo en el desarrollo de la historia. El ilustrador debe conocerlo bien y creer verdaderamente en él si pretende convencer al lector.
"La cenicienta" © Errol Le Cain
Normalmente en los cuentos conviven dos personajes diferentes y contrastados entre sí, un protagonista y su antagonista; este último suele ser el reflejo negativo del protagonista. Por lo tanto, céntrate en definir primero al personaje protagonista y después, por contraposición, al antagonista.

Vamos a ver diferentes recursos para conceptualizar dos personajes diferentes y contrastaremos cómo su personalidad afecta a su forma y al revés.

Fichas descriptivas

Un recurso muy útil, antes de ponerse a dibujar, es rellenar una ficha donde definas por escrito los datos básicos (nombre, sexo, edad...) y completes estos dos apartados:
1. Carácter. Responde con adjetivos contrarios: ¿Es bueno o malo? ¿Tímido o extrovertido? ¿Inteligente o tonto? ¿Alegre o triste? Puedes incluso matizar detalles del tipo: “Fulanito es muy inseguro e intransigente y no tolera las críticas”.
En resumen, escribe todo lo que puedas aportar sobre sus características físicas, estados de ánimo, ángulos, rasgos según su origen y el contexto de la historia.

2. Físico. Describe cómo te imaginas al personaje físicamente y luego relaciona conceptos. Aquí también te puedes extender con las descripciones. Cuanto más preciso y específico, mejor.

Aunque pueden parecerte generalizaciones, está demostrado que los aspectos morfológicos y los movimientos corporales connotan cualidades de personalidad y carácter.

Tus respuestas pueden influir de una forma directa y decisiva en el diseño del personaje. Por ejemplo:
- Personaje recto = seguro de sí mismo (pero también estático y aburrido)
- Personaje "encorvado" = tímido o inseguro
- Personaje obeso de formas redondeadas = fuerte o bondadoso
- Personaje delgado de formas angulosas = débil pero también malvado
Ficha comparativa de formas de los personajes principales de "Aladdin", © Disney
Pero que no te condicionen estos ejemplos; las reglas también están para saltárselas. Si tu imagen mental no coincide con estas indicaciones, no pasa nada. No tienes por qué seguirlas a rajatabla.

Cuando tengas definido el carácter con sus connotaciones físicas derivadas, se recomienda hacer un esbozo de su complexión corporal. Aunque sea más difícil, dibújalo en movimiento, realizando alguna acción, en vez de limitarte al diseño facial, estático y frontal.
Si por ejemplo, el texto te indica que aparece una niña jugando dentro de una bañera, observa cómo juegan los niños de esas edades. Ve al parque con una libreta y un lápiz, o recurre a documentación (San Google que estás en los cielos...).
Personajes de animación © United Productions of America (1950)
Luego podrás definir sus rasgos faciales. Ve de lo general a lo concreto.

Haz varias pruebas y combinaciones. Modifica o incorpora pequeños detalles hasta dar con un diseño que te guste. A veces, un detalle simple le da ese “toque” que hace único al personaje.

Asociaciones animales

Fíjate en estas imágenes. ¿Qué cualidades te sugieren estos animales? Descríbelos con adjetivos.

Vuelve a la descripción psicológica de tus personajes y hazte la siguiente pregunta: “si mi personaje principal tiene "x" cualidades, ¿qué animal sería?”. ¿Serías capaz de trasladar esas cualidades “animales” al diseño de tu personaje?

Aquí tienes varios ejemplos que muestran cómo algunos rasgos físicos animales están presentes en el diseño de personajes humanos. ¿Los reconoces?
Ficha de personaje de "La novia cadáver", © Grangel Studio
Ficha de personaje de "La novia cadáver", © Grangel Studio
"Hansel y Gretel", ilustraciones de Iratxe López de Munáin, OQO Editora (2014)
Ahora te toca a ti ponerte manos a la obra. ¡A practicar!

Espero haberte ayudado con este tema. Si tienes alguna sugerencia, recomendación, o pregunta, me encantará leerla en el apartado de comentarios.

¡Nos leemos dentro de quince días en la próxima entrada!

“El trabajo de creación de personajes es evolutivo, pero también repetitivo; se requiere de mucha paciencia pero sobre todo mucha imaginación”. Jordi Grangel

lunes, 3 de abril de 2017

Mini crònica Vet aquí Sabadell

Així va anar la segona edició del Festival de contes Vet aquí Sabadell del passat dissabte 1 d'abril a càrrec de l'Associació Bafarada.

Malgrat les condicions climatològiques adverses, que van obligar a traslladar l'activitat al Museu del Gas, vam poder realitzar el taller "Il·lustra'm un conte" amb una àmplia convocatòria, tant de matí com de tarda. 

Com ja vaig anunciar, vam explicar la diferència entre dibuixar i il·lustrar així com mostrar els passos que cal seguir a l'hora d'abordar una il·lustració a partir d'un conte popular, en aquest cas La Caputxeta vermella de Perrault.
La versió del francès Eric Battut ens va servir per mostrar la seva original proposta

Tot i que el taller estava pensat per a nens d'una franja d'edat més gran, vam saber adaptar-nos a les circumstàncies. Els resultats salten a la vista i van superar les nostres expectatives.

Creiem que la nostra aportació, encara que petita i discreta, va aportar el nostre granet de sorra al festival. I que comptessin amb nosaltres el dia Internacional del Llibre infantil i Juvenil (si Hans Christian Andersen aixequés el cap...) va ser un honor.

Gràcies per deixar-nos acostar la il·lustració als més petits.

Ens veiem a la 3ª edició del VAS! ;)

jueves, 30 de marzo de 2017

Vet aquí Sabadell -2a Edició-

El proper dissabte 1 d'abril es celebra a Sabadell la segona edició del Vet aquí Sabadell, un festival de contes que omplirà el centre de la ciutat de rondallaires. 

Desde Bafarada hi col·laborem amb un taller d'il·lustració infantil que té per nom "Il·lustra'm un conte" a càrrec d'Àlex López i servidora als Jardinets de l'Espai Cultura Fundació Sabadell 1859.

El taller va adreçat a nens i nenes d'entre 8 i 14 anys i les places són limitades. 
Cal inscripció prèvia enviant un mail a: info@petitsabadell.cat

Hi haurà dues sessions de 2h aprox, a les 12h i a les 17h.

Veurem la diferència entre dibuixar i il·lustrar (conceptes aparentment semblants però diferents) i mostrarem els passos que cal seguir a l'hora de fer una il·lustració a partir d'un text.

Podeu consultar aquesta notícia i descarregar-vos aquí el programa del festival.

domingo, 26 de marzo de 2017

Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento: el texto

Si has llegado hasta aquí es porque te interesa conocer el proceso de creación de un álbum ilustrado. Pero, ¿qué es exactamente un álbum ilustrado?
© Maurice Sendak
Un álbum ilustrado es una obra literaria donde el texto se apoya en la imagen en un diálogo inseparable, en el que la ilustración, además de complementar el texto, lo enriquece.

¿Recuerdas el famoso eslógan “¿cueces o enriqueces?” de una conocida marca de pastillas de caldo concentrado? Bien, ahora imagina que la ilustración es esa pastilla de caldo para que la sopa sea más sabrosa, más gustosa, más “rica” en matices de sabores. Ahora sustituye esos sabores por significados.

¿Escribes o ilustras?

Ya has visto que la creación de un álbum ilustrado implica ambas cosas con la ventaja de que, a través de la ilustración, puedes comunicar más. Allí donde no llegan las palabras, llega el poder de la imagen. Y si todavía no te he convencido, recuerda otro dicho famosísimo: “Una imagen vale más que mil palabras”.

Aclarado esto, si tu objetivo es escribir e ilustrar tu propio álbum ilustrado, ¡bienvenido/a!
¡Coge asiento, que empezamos!


EL TEXTO: original o adaptación

Lo primero, antes de empezar, es tener la idea. Es necesario tener una idea clara sobre qué quieres escribir, qué tema vas a tratar, cuál es tu visión, qué quieres transmitir.

Una vez hayas decidido de qué tratará tu libro, es conveniente hacer un repaso por las librerías y bibliotecas para conocer qué se ha publicado sobre ese tema. Es lo que comúnmente se entiende como hacer un estudio de mercado. Así podrás ver si lo que tú has pensado aporta alguna novedad, amplía lo ya existente, o simplemente es un tema tan trillado que tal vez no merezca la pena.

Ya tienes decidido el tema, pero cuando te dispones a escribir... bloqueo: no se te ocurre ninguna historia. ¿Y ahora qué? ¿Lo dejas?

Adaptación vs original

¡Que no cunda el pánico! Puedes recurrir a un cuento clásico y versionarlo, es decir, hacer una adaptación. Es más, si sabes darle la vuelta, puedes conseguir un nuevo enfoque y desmarcarte de lo que ya se ha publicado aunque mantengas el texto intacto.

¿Y eso cómo se consigue? A través de la ilustración.

Tomemos como ejemplo el cuento de “Pulgarcito”. Es un niño tan pequeño, tan pequeño, que casi no se le ve. Podemos aprovechar esa “característica” para que no aparezca en toda la historia.
© Philipp Grot Johann
¿Arriesgado? Sí, pero original. Mostramos una historia que ya conocemos pero con un enfoque diferente donde comunicamos el mensaje de una forma más directa.

Otra manera de darle un giro a la historia sin tocar el texto es añadiendo un elemento “intruso” modificando uno de estos cuatro elementos: época, lugar, cultura o final de la historia, sin alterar la esencia.

Si, por contra, prefieres ilustrar un texto menos conocido pero libre de derechos, deberás emprender una labor más detectivesca.

De hecho, muchas editoriales independientes como Nórdica Libros, se están haciendo un hueco editando en España obras inéditas de autores clásicos famosos de otros países o reeditando con nuevas traducciones, más cuidadas, obras clásicas ya publicadas anteriormente. La razón es obvia: son una apuesta segura y no tienen derechos de autor.
© de las ilustraciones Elena Odriozola

Original vs adaptación

Sin embargo, yo te recomiendo, como hacía Ana Garralón, la especialista en libros para niños, en este post, aportar algo nuevo, y más en estos tiempos de “sequía”. ¿No dicen los más optimistas que detrás de toda crisis, surge la oportunidad? Aprovéchala para destacar.

¿No sabes cómo hacerlo? Por suerte, existen una serie de recursos y herramientas para iniciarse en el bello arte de contar historias. Aquí van algunas recomendaciones:

- Saber narrar, varios autores. Es una obra divulgativa imprescindible para todos aquellos que sientan la necesidad de contar, a través de imágenes o palabras, y no sepan cómo empezar. A pesar de no estar dirigida a escritores de literatura infantil, el libro diseña una hoja de ruta para potenciar la creatividad y sentar las bases para narrar. En la primera parte, dedicada a la creación literaria, nos recuerdan cuáles son los recursos del lenguaje necesarios para construir un relato que cautive a los lectores y les sumerjan en una experiencia única a través de su lectura.

- Gramática de la fantasía, de Gianni Rodari. Un clásico de la literatura pedagógica para aprender a usar la imaginación e iniciarse en el arte de contar historias. El autor proporciona numerosos ejercicios, técnicas y actividades para inventar historias como el binomio fantástico, la hipótesis fantástica, el juguete como personaje, el niño como protagonista, el tratamiento de cuentos clásicos, fábulas, personajes de diversos materiales, la construcción de adivinanzas e historias equivocadas.


- Escribir para niños: Todas las claves para escribir lo que los niños quieren leer, de Silvia A. Kohan. El libro plantea las mismas dificultades que supone escribir para adultos, con la diferencia de que el universo narrado debe responder a los sentimientos y los conflictos de los lectores. El secreto consiste en saber desarrollar el lenguaje, las ideas, las situaciones y los personajes respetando las vivencias de cada etapa.



- Writing Children's Books for dummies, Lisa Rojany Buccieri y Peter Economy.
Un manual alentador que proporciona información detallada sobre todo lo que el aspirante a escritor de libros infantiles necesita saber: desde la investigación del mercado actual hasta el desarrollo de ideas para cuentos, cómo fortalecer las habilidades en la escritura, el trato con los editores, y la presentación de propuestas y manuscritos a los agentes y editores.


- Words and Pictures, Quentin Blake.
Este inusual libro no es sólo una oportunidad para examinar el desarrollo artístico del ilustre Quentin Blake, también es una guía para aquellos que buscan entrar en el mundo de la ilustración. Las palabras describen su enfoque a los desafíos y oportunidades de la ilustración; las imágenes muestran el progreso desde su primera experiencia de la revista Punch hasta su libro más reciente, Fantastic Daisy Artichoke.


- Ilustración de libros infantiles, Martin Salisbury.
Este libro analiza las tácticas y habilidades, tanto prácticas como conceptuales, necesarias para ilustrar libros infantiles de la mano de Martin Salisbury, ilustrador y director del primer máster de ilustración de libros infantiles del Reino Unido, instituido por la Cambridge School of Arts. Aunque este libro debería ser imprescindible, en lo que concierne a Conceptos e ideas sólo le dedica un par de páginas del capítulo 5. En ese sentido, recomiendo otro libro publicado por la misma editorial, que indico a continuación.

- Escribir e ilustrar libros infantiles, varios autores.
Este libro explica cómo escribir e ilustrar una amplia gama de géneros y tipos de libros. A través de seis estupendos capítulos, los autores nos enseñan a desarrollar ideas, a comprender las diversas tradiciones de contar cuentos, a simplificar las ilustraciones y a dibujar personajes coherentes. Mención especial merecen los capítulos 1 y 3 que abordan aspectos tan necesarios como saber estructurar una historia, escribir diálogos, evitar tratar con superioridad al lector, adoptar un punto de vista o saber comenzar y terminar una historia. En resumen, un manual muy completo que te ayudará a estructurar desde la A hasta la Z tu proyecto de álbum ilustrado.

Como en todo lo relativo a la creatividad, un escritor también se forma escribiendo. De nada sirve devorar manuales si no aplicamos lo aprendido. Así que... ¡a practicar!

Espero haberte disipado dudas y aportado algo nuevo sobre el tema. Si tienes alguna sugerencia o recomendación, me encantará leerla en el apartado de comentarios.

¡Nos leemos dentro de quince días en la próxima entrada!


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PS: Para ampliar esta información, te recomiendo que leas este fantástico artículo de el suplemento Babelia de El País.

lunes, 13 de marzo de 2017

Conecta los puntos

Tras más de 7 años de "convivencia" interrumpida, he decidido poner fin a la relación: en septiembre publico Cigronet.

Lo expreso con estas palabras porque Cigronet empezó como un ejercicio de clase propuesto por Rebeca Luciani y ha acabado convirtiéndose en mi eteeerno proyecto.

A Rebeca le debo, tal y como expliqué aquí, no sólo que me descubriera mi vocación por el álbum ilustrado, también su particular filosofía de trabajo: "Si empiezas un proyecto de una determinada manera, adquieres un compromiso, como un 'casamiento'. Al principio te enamoras platónicamente pero con el tiempo, te vas cansando, des-fascinando de ese amor.
Por el camino pueden aparecer otros 'novios' (proyectos) pero tú ya te has comprometido y debes seguir hasta el final, hasta terminarlo.

MORALEJA: aunque quieras probar cosas nuevas, te j...es y terminas lo que has empezado.
Cuando por fin acabes, ya podrás ir a por otro proyecto donde podrás experimentar todo lo que quieras antes de casarte/comprometerte con él".

Rescato estas palabras porque es inevitable no sentirme identificada y porque, después de tanto tiempo, ¿no es casualidad haya vuelto a reencontrarme con ella? 

No, no es casualidad. De hecho, desde que hice El camino del artista ya NO creo en las casualidades, creo en las sincronías, en las conexiones, en las conexiones de las que habló Steve Jobs en el famoso discurso inaugural que dio en la Universidad de Stanford en 2005: 

“Tenéis que confiar en que los puntos llegarán a conectarse en algún momento del futuro. Tenéis que confiar en algo: en vuestro instinto, en el destino, la vida, el karma... lo que sea. Porque eso os dará la confianza para hacer lo que os dicte el corazón. (...) No perdáis la fe. Estoy convencido de que lo único que me hizo seguir adelante fue la pasión que sentía por lo que hacía. Tenéis que descubrir qué os apasiona. El trabajo va a ocupar una gran parte de vuestra vida, y sólo os sentiréis satisfechos cuando hagáis lo que de verdad os gusta. Si aún no lo habéis encontrado, seguid buscando. No os conforméis. (...) Vuestro tiempo es limitado, así que no lo malgastéis viviendo la vida de otro. No dejéis que el ruido de las opiniones de los demás ahogue vuestra voz interior. (...) No perdáis el ansia de aprender, de hacer más. No perdáis la inocencia.”

Fiesta de despedida del Taller 2 de ilustración en l'Escola de la Dona, curso 2009-10
Cigronet y Rebeca es tan sólo una de esas conexiones que hace siete años atrás, sin ser plenamente consciente, empecé a conectar. Pero hay más, muchos puntos más. De hecho, este blog está repleto de ellos. Y esta es la razón por la cual he escrito este post que, a su vez, está conectado con Repasando 2016.

¿Cuál es el punto de conexión entre ambos? Cumplir el propósito de terminar.

¿A tí también te pasa que te gustaría terminar proyectos eternos? ¿Qué es lo que más te gustaría hacer y sin embargo, no haces? ¿Qué te impide terminar los proyectos que te propones? 

En mi caso, aparte de mi odioso perfeccionismo, un miedo irracional a demostrar de lo que soy capaz. Y por esa razón me he 'forzado' a establecer este compromiso que hago público: voy a postear cada 15 días una serie de entradas donde explicaré el proceso que voy a seguir para publicar Cigronet bajo el título: "Cómo escribir e ilustrar un cuento y no morir en el intento"

¿Quieres hacer un proyecto de álbum ilustrado y no sabes por dónde empezar? ¿Te gustaría conocer ese proceso paso por paso? Deja que te eche una mano.
No sólo podrás ver con detalle la gestación de un álbum ilustrado, sino que también podrás preguntarme todas las dudas que te surjan. 

Así que, si estás dispuesto/a a acompañarme en esta aventura, te invito a que te suscribas a mi blog (botoncito gris “SUBSCRIBE” al inicio de la columna derecha).

Y como sé que 15 días te parecerán una eternidad, ¿por qué no repasas, para calentar motores, la breve masterclass que publiqué sobre cómo ilustrar un cuento y no morir en el intento?

Ahora sí: ¡¡Nos vemos en 15 días!!


PS: las dos ilustraciones inéditas que están expuestas en Il·lustríssi+ (hasta el 16 de marzo) en el centre cívic Urgell, eran también dos ejercicios empezados, ahora terminados, previos a Cigronet propuestos por la misma profesora. Señal que estoy "conectando los puntos", ¿no? ;)


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miércoles, 8 de febrero de 2017

Exposició Il·lustríssi+

El 16 de febrer s'obre al públic Il·lustríssi+, una exposició col·lectiva en la que he tingut el privilegi de participar amb 2 obres inèdites juntament amb algunes de les il·lustradores més influents del panorama de la il·lustració de Barcelona. 

L’exposició, que té lloc a la sala Teresa Pàmies del centre cívic Urgell, s’emmarca dins el cicle + Dones que vol fer visible el treball i el paper de la dona creadora. Les obres ens permetran fer un recorregut pel treball de cada autora i veure com la feminitat pren forma en el traç de cadascuna de nosaltres.

A banda de l'exposició, que s'estendrà fins el 17 de març, hi ha programat un diàleg amb les artistes i la inauguració oficial de l'exposició el proper 3 de març a les 19:30h.

Jo de tú no m'ho perdria...
T'espero el dia 3!

miércoles, 18 de enero de 2017

Rebeca Luciani, la maestra del color


Conocí personalmente a Rebeca Luciani en segundo curso de ilustración de l'Escola de la Dona, a pesar de haberla visto antes en el ciclo de conferencias Il·lustrats de l'Escola Llotja.

Si todavía no sabes de quién hablo, a pesar de haberla nombrado más de una vez en mi blog, sirva esta breve biografía:

Rebeca Luciani nació en 1976 en la ciudad de La Plata, Argentina. Allí estudió dibujo y pintura en la facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.
En el año 2000 se vino a Barcelona y empezó a trabajar como ilustradora.
Ha publicado más de una veintena de libros para niños y también colabora en prensa.
Como docente, ha realizado diversos cursos de formación artística y talleres de ilustración.
Su obra ha sido reconocida con varios premios, algunos realmente importantes como el White Ravens International.



En una entrevista Rebeca comentaba que, cuando llegó a Barcelona, se miró todos los libros de ilustración infantil. Al ver que tenían relación con su formación, Bellas Artes, y experiencia, maestra de manualidades para niños, descubrió su vocación: ser ilustradora.

Yo descubrí mi vocación cuando la tuve de profesora a finales de 2009.
Siete años después, a raíz de la Masterclass de color que impartió el sábado pasado en el estudio Calipso, ha vuelto a recordármela.

Rebeca no sólo desplegó una gran cantidad de originales, procedentes de trabajos publicados desde 2003 hasta la actualidad, sino una entrega amplia y generosa de sus materiales, técnicas y metodología. Conocimientos que no salen en los libros y que son fruto de la observación, la experimentación, el trabajo constante y la disciplina. 
Con el grupo de tarde, mostrando el proceso que sigue a la hora de trabajar en un álbum
Siempre ha sido de técnica tradicional aunque a la hora de digitalizar sus trabajos para entregarlos al editor, realiza algunos ajustes de contraste, brillo,... incluso hace "frankensteins" (fotomontajes) tanto manuales como de ordenador. 

Trabajaba habitualmente sobre cartón gris y con acrílicos hasta que un buen día, su buena amiga la Mari(ona Cabassa) le enseñó las ventajas del papel Basic de 370 gr (importante: ni un gramo más ni uno menos).

En este acrílico de 2005 sobre cartón reconoce la influencia de los pintores franceses en el uso de colores desaturados.
Lo malo del cartón gris, se lamenta, es que "partes de un color neutro que 'pesa' y te priva de sacar colores brillantes. Además, el cartón se dobla y a la hora de escanear salen brillos, con lo cual te matas 'photoshopeando' (clonando) siempre".
Rebeca nos aconsejó mirar este original de La torre de la donzella (2003) con medio ojo abierto para ver los pedazos de ilustración, refiriéndose a los espacios 'vivos' ocupados por texturas.

Esta ilustración de Kiwi (2012) supone el paso del cartón gris al papel Basic de 370 gr.
No sólo muestra un cambio notable de luminosidad, también consigue que permanezca liso y no se doble. Hasta le permite rayar las densas capas de acrílico para obtener texturas.

En No parque (2015) mezcló el efecto diluido con el efecto denso típico del acrílico. También incorporó técnica mixta como los rotuladores Posca para destacar detalles que antes hacía con un pincel de un pelo. Aún así, en su obsesión por los detalles, nos confesó que volvía a repasar encima con pincel para rebajar la estridencia de esos colores tan chillones.
Para crear el estampado de la falda, pintada con acrílico más diluido, aplicó lápiz acuarelable.
¿Cómo saber si una ilustración tiene profundidad?
De nuevo nos sugirió entrecerrar los ojos. Si vemos que el resultado es demasiado aplastado, lo habremos hecho mal porque, aunque usemos colores diferentes, estaremos trabajando con el mismo valor/luminosidad.
Una buena manera de evitarlo es distanciarse físicamente de la ilustración.

En Dimitri (2009), nos enseñó cómo cambia nuestra percepción a través del contraste, bien referenciando tamaños (GRANDE vs. pequeño) o mostrando algo muy bien hecho con algo no tan detallado. Es el caso del espacio minúsculo que hay entre el perfil de la marioneta y el público.

En este cartel usó una base de gouache (témpera) para la torre, ceras acuarelables Caran d'Ache para las manchas de color, rotuladores Posca y bolígrafos de gel para las cenefas de la serpiente y muchas capas de acrílico para la cara de la princesa ya que partía de una base muy oscura (efecto 'negro carbón')

Nos recomendó visitar la selección de 62 obras maestras que el Museo Thyssen ha cedido temporalmente al Caixafòrum de Barcelona bajo la exposición Un Thyssen nunca visto.
Arlequín con espejo, de Pablo Picasso, 1923
Destacó el interesante criterio de curaduría y el descubrimiento, en los cubistas, del negro. Es más, ha sustituido su forma de pintar (de ilustradora sentada a pintora de pie) y, lo más sorprendente, ¡se ha pasado al gouache

A pesar de que la técnica no le permite corregir y el efecto es tosco, seco y plano, está encantada con los resultados. A la vista están estos originales de gran formato (que obtiene de cortar el Basic de 50x70 cm) en los que está trabajando para Fragmenta editorial.
También ha restringido la paleta a unos pocos colores: blanco, azul, amarillo y negro (este último mezclado con una pizca de azul).

A pesar de su atrevimiento con el negro de bote, todavía se resiste a usarlo solo (demasiado intenso). En esta ilustración lo incorpora a través del grafito para crear otro plano más alejado y conseguir así, mayor profundidad.
Los cipreses del fondo son "robados" de Van Gogh.

Cuando le preguntamos por sus influencias, nos comenta que varían dependiendo del encargo y de lo que quiere encontrar.

"Cuando me llega un proyecto, trato de ver qué necesita el libro y por eso intento hacer todos diferentes"


Es partidaria de ir a buscar otras fuentes como la Pintura en vez de fijarse en lo que hacen los demás ilustradores. "Al fin y al cabo, todos nos conocemos y acabamos haciendo lo mismo, a excepción de Javier Zabala" quien le enseñó que, para dar el 'salto', hay que contar con menos. Máxima que aplicó en 25 cuentos populares de Europa que editó Siruela.

Siguiendo con las influencias, en Mishiyu (Premio Junceda 2015) Rebeca admitió haber "robado" de la pintura italiana.


El uso del gouache para manchar grandes superficies no es nuevo tal y como vimos en esta ilustración (bautizada cariñosamente como la del "oso amoroso").
Para conseguir en los árboles este efecto emborronado, difuminó el grafito y para los detalles luminosos de las ruedas y los vestidos de los porteadores, utilizó rotuladores Posca.

En cambio, en este original de Mishiyu (2014) tuvo que aplicar muchas capas para obtener la cara del niño bien luminosa ya que había manchado el fondo con tonos oscuros. Aunque en el fondo le interesaba crear una especie de "colchón".


Sea en acrílico, gouache o con toques de rotuladores Posca, es innegable que en todos sus originales manda el color, más bien un buen uso del color.

"Que el color nunca te 'gobierne' a tí. Tienes que dominarlo tú"


Da igual el reto y las injusticias editoriales, cada vez más habituales, que le pongan por delante. Tanto si pagan poco como si le proponen realizar pruebas no remuneradas (que su 'política de empresa' no le permite aceptar), nadie le va a quitar el gozo de ilustrar.

Que así sea por muchos años.


Una vez más: gracias por tanto y por todo, Rebeca.

Nota: todas las imágenes utilizadas han sido "robadas" sin previo aviso y con total premeditación y alevosía. El copyright de las mismas pertenecen a Rebeca Luciani y al estudio Calipso.